Del arte de reflejar la realidad: Antonio López
28 ago 2011 1 comentario
in Exposiciones Etiquetas: Antonio López, Centre Georges Pompidou, El sol del membrillo, Exposiciones, Gran Vía, Hamburger Kunsthalle de Hamburgo, Madrid, membrillo, MNCARS, Museo Thyssen-Bornemisza, Museum of Fine Arts de Boston, realismo, Tomelloso
Fue en el año 1993 cuando se produjo la primera retrospectiva de Antonio López. Yo apenas tenía 13 años cuando El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía albergó aquella muestra, la recuerdo vagamente, puede deberse a que en esa fecha todavía no se había despertado en mí esa pasión por el arte… pero un pequeño trabajo para el colegio me llamó la atención por la obra de ese pintor quasi fotógrafo, que plasmaba la Gran Vía y a la vez representaba a su hija cuando era pequeña…
Hoy casi 20 años después me enfrento a Antonio López desde otra visión, ya siendo Historiadora del Arte, se aprecia de otra manera las grandes obras, pero no es la Universidad la que me ha acercado a Antonio López ( en realidad no estudié su obra en toda la carrera!!!), sino esa atracción, que a partir de ese trabajo estudiantil se despertó en mí, unido a mi ansia de conocimiento.
Nos enfrentamos a esta exposición como continuación por tanto de aquella gran retrospectiva, sus temas siguen siendo los mismos, pero el tiempo los ha ido enriqueciendo, unido esto al ansia de perfeccionismo que el artista tiene (trabaja una y otra vez en sus obras, hasta que las considera acabadas….) El propósito de la exposición es mostrar al público las obras más recientes, algunas fechadas en 2011, y a partir de ella reinterpretar la carrera anterior del artista, por las salas veremos azoteas, neveras flores, figuras humanas, un sinfín de temas reinterpretados una y otra vez pero pasados por el tamiz de la edad y la sabiduría.
La primera parte de la exposición explora los grandes temas de la creación de Antonio López en las últimas décadas, señalando una por un lado la continuidad, pero también el contraste con la etapa anterior a 1990. Los temas son fundamentalmente tres: la ciudad, el árbol y la figura humana, que se corresponden a través con tres técnicas y vehículos artísticos: la pintura, el dibujo y la escultura. La segunda parte de la exposición viene a ser una mirada retrospectiva hacia la carrera de Antonio López, presentando su evolución desde sus orígenes hasta su primera madurez. El acento descansa en la figura humana, que en otro tiempo dominó la pintura de nuestro artista.
Muchas de las obras que se reúnen en esta exposición proceden de colecciones particulares, en su mayor parte españolas y, entre ellas, la del propio artista con un buen número de obras inéditas, algunas en proceso de trabajo; pero también hay préstamos de museos como el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Bellas Artes de Bilbao, el Centre Georges Pompidou de París, el Hamburger Kunsthalle de Hamburgo o el Museum of Fine Arts de Boston, entre otros.
Tras la presentación de la exposición en Madrid, podrá verse en el Museo de Bellas Artes de Bilbao , del 10 de octubre de 2011 al 22 de enero de 2012
- MEMORIA
- ÁMBITOS
- MADRID
- GRAN VÍA
- ÁRBOL
- DESNUDO
- PERSONAJES
- INTERIORES
- ALIMENTOS
- PROYECTOS
MEMORIA
La primera impresión al entrar en la sala, puede chocarnos: Cuatro cabezas griegas podríamos creer que se trata de trabajos de formación del artista, pero no, son obras relativamente reciente, que nos recuerdan la gran importancia que la escultura clásica ha tenido en su formación. Nos sumergimos posteriormente en sus dos paisajes preferidos, su querido Tomelloso y Madrid. Nos muestra dos azoteas Carmencita jugando (1959-1960) y Terraza de Lucio (1962-1990) dos ambientes opuestos la ciudad y el campo, pero reflejando en ambos la serenidad y quietud de su pintura.
AMBITOS
Antonio López es un pintor-escultor de su entorno, de su familia, su mujer, su hija, sus nietos, aparecen a lo largo de su carrera. Nos adentramos en esta sala con dos bustos de Antonio y Mari como situados en el centro de su espacio, rodeado de objetos cotidianos:: el aparador, la nevera, las ventanas.Podemos encontrar quizás un recuerdo a los bustos relicarios (sin esta connotación) del Renacimiento de los Países Bajos o el Carlos V (hacia 1520) en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio.
Respecto a la ventana, ha sido un objeto siempre presente en la Historia del Arte: Muchacha mirando por la ventana de Dalí, o las enigmáticas ventanas de Magritte…
MADRID
Madrid es un tema constante en su obra. Nos plasma una ciudad como congelada en el instante, pendiente de cual va a ser la siguiente pincelada del artista. Las vistas de Madrid son obras de largo proceso, suele ejecutarlas al aire libre, dependiendo de la luz natural y sus variaciones. Para captar una cierta luz, tiene que trabajar a cierta hora, durante cierto tiempo cada día y durante sólo unas semanas al año. El pasado año durante el caluroso mes de agosto podíamos disfrutar de la presencia de Antonio López en las calles de Madrid a partir de las 7 de la tarde pintando en la Gran Vía lo que llamó la atención de muchos curiosos.
Cada vista de Madrid ha crecido a través de muchas interrupciones: dejar el trabajo y reanudarlo más tarde es, como dice Antonio, “una gimnasia de años muy unida al carácter de mi pintura”.La más fascinante visión de la ciudad es la más reciente, Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas (1990-2006), donde la ciudad aparece como “una inmensa maqueta, como una escultura enorme, construida por todos los hombres.”
En los últimos años, Antonio ha vuelto con toda una serie de vistas de la Gran Vía que difieren de su cuadro ya clásico: pintadas desde un punto de vista elevado, con una perspectiva que ya no es rectilínea, sino curva, este rasgo, unido a la presencia del balcón o azotea donde trabaja el pintor, confiere a la visión un carácter vertiginoso.
ÁRBOLES
Otro de los grandes temas de la obra de Antonio López es el árbol, que desde La parra (1955) reaparece tantas veces en sus dibujos de membrilleros y otros frutales. El árbol es el reverso y el antídoto de la ciudad. Frente a los vastos paisajes urbanos, la intimidad del pequeño huerto. En contraste con la visión aérea y lejana, esta visión cercana, táctil, que palpa los contornos de las ramas, las hojas y las frutas.
Tras sus dibujos de interiores de los años sesenta, centrados en los planos de luz y sombra, hacia 1970, el artista regresa a un dibujo más tradicional, de puro contorno. En sus membrilleros, la sustancia material de las frutas, las hojas y las ramas se evapora, dejando sólo un residuo muy sutil, como una filigrana o una labor de encaje. El artista compara sus dibujos de árboles con mapas. Sus líneas forman una geografía fractal y laberíntica, un territorio de grietas y fisuras.
No podemos dejar de mencionar relacionada con esta obra el documental El Sol del Membrillo, de Víctor Érice, Premio del Jurado en el Festival de Cannes en 1992. Este documental de 139 minutos de duración, explora el proceso creativo del pintor durante la época de maduración de los membrillos, que plasma con gran fidelidad en su obra. A lo largo del documental vemos la vida del artista, su rutina cotidiana, su afán de perfección, buscando esa maduración de los membrillos que va plasmando en el otoño de 1990, y que Erice tras la cámara, observa atentamente.
DESNUDO
Antonio López ha tenido desde siempre gran interés por la escultura, permitiéndole plasmar la figura humana, tema ampliamente repetido por el artista. Su más ambicioso proyecto escultórico es sin duda Hombre y mujer (1968-1994), dos figuras en las que trabajó a lo largo de veintiséis años, con largas interrupciones y cambios de rumbo. Hombre y mujer nació de una preocupación por el canon de las proporciones humanas, pero el crecimiento de la figura del hombre terminó imponiendo una abismal desproporción entre la figura masculina y la femenina. A partir del proceso creativo de este conjunto tuvo lugar una exposición en MNCARS en 2001.
Junto a esta obra, en nuestra sala tenemos dos de sus últimas creaciones escultóricas: el horizontal y grave Hombre tumbado (2011), y la ascendente y leve Figura de mujer. Eva (2010).
PERSONAJES
La primera sala de la segunda parte de la exposición se inicia en 1953, con cuadros de rasgos italianizantes. En esta época muy temprana emerge ya un tema tan central como el de la pareja humana, plasmado en una serie de dobles retratos pictóricos (de sus abuelos, sus padres, etc). Un rincón de la segunda sala está consagrado a la presencia de Mari, la esposa del artista.
ALIMENTOS
la representación de alimentos, así como el momento de la comida, son también frecuentes en la obra del artista. Así destacamos obras como La Cena (1971-180), o el Conejo desollado (1972), que nos recuerda a la tradición española del bodegón, aunque aquí desnudo de cualquier ornamento.
PROYECTOS
El último espacio de la exposición se centra en dos series de creaciones recientes: la dedicada a las flores y la de cabecitas de sus nietos, series que introducen un Antonio López íntimo y nos permiten asomarnos al mundo de su taller. A este período pertenecen las esculturas de Cabezas de niña que se encuentran en la zona de llegadas de la Estación del Ave en Madrid, a las que no se hace alusión en la exposición. Estas obras fueron encargadas por el Ministerio de Fomento en 2002 y se instalaron en el 2008. Se titulan “Día” y “Noche” y son bustos de bronce de tres metros de alto por tres de ancho. El modelo era su nieta Carmen, que entonces contaba solo seis meses de edad. La niña despierta y la niña dormida representan para el autor el Día y la Noche, el paso del tiempo acompañado por el paso de los trenes. Fueron fundidas en bronce a partir de moldes de escayola, e instaladas sobre sendas peanas, cada escultura pesa más de dos mil kilos.
Todas las obras expuestas en el Museo Thyssen Bornemisza, han sido aseguradas mediante la Garantía del Estado. En este enlace se pueden consultar todas las obras http://www.boe.es/boe/dias/2011/04/14/pdfs/BOE-A-2011-6766.pdf
Del arte de proyectar una ciudad: Pienza
19 ago 2011 Dejar un comentario
in Arquitectura Etiquetas: Alberti, Bago Vignoni, Bajo el Sol de la Toscana, Ciudad ideal, Corsignano, Giovanni di Paolo, Hallenkirche, il Vecchietta, Italia, Mantua, Montepulciano, Paciente Inglés, Palacio Rucellai, Piccolomini, Pienza, Pinturicchio, Pio II, Rímini, Renacimiento, Rosellino, Siena, Toscana, Val d’Orcia
Quien decida visitar la Toscana no debe olvidar bajo ningún concepto Pienza. A simple vista y para los poco entendidos en arte, el nombre del pequeño pueblo, poco les puede decir, pero si viajas por la Toscana y te encuentras con un letrero que pone Pienza, no lo dudes, adéntrate en esta joya del Renacimiento. Si eres cinéfilo habrás escuchado que algunas escenas de películas como Gladiator, Romeo y Julieta, o La Mejor Juventud, se rodaron en los alrededores de este pintoresco pueblo. Pero merece destacarse los ambientes aparecidos en la inolvidable obra maestra El Paciente Inglés, algunas de cuyas escenas fueron rodadas en un convento cercano a este lugar idílico, Sant’ Anna in Camprena…
Pienza, fue declarada Patrimonio Mundial en 1996, y se encuentra en el corazón de la zona baja de la Toscana, muy cercana a otros lugares destacados como Montepulciano, Bagno Vignoni, y a escasos 50 kilómetros de Siena. Con un origen medieval denominada Castillo de Corsignano, el rumbo de este pequeño pueblo perdido en la Toscana cambió con el ilustre Papa Eneas Silvio Piccolomini, Pío II, que nacido en Corsignano, subió al solio pontificio en 1458 y pronto decidió convertir su lugar de nacimiento en sede episcopal de verano. Convirtió así un pequeño pueblo muy humilde, en una ciudad en la vanguardia del Renacimiento, con nuevos edificios públicos y privados.
El Papa antes de ser nombrado Pontífice,tuvo una importante actividad diplomática, lo que le llevo a conocer el arte de los países europeos. Fue un gran humanista de la época, se rodeó de importantes personalidades y pensadores y absorbió la cultura que fue descubriendo, volcándola en su ciudad.
En 1460 realiza el encargo a Bernardo Rosellino del proyecto de Pienza. Pienza fue la primera ciudad ideal que se llegó a realizar, siguiendo los principios de las ciudades ideales enunciados por Alberti. Pero no es solo una ciudad ideada por un arquitecto humanista, es también una ciudad concebida por un Papa, que colaboró activamente en su diseño, y lo plasmó en sus “Commentari”, una obra biografico-literaria, escrita en latino en tercera persona a la manera de Cesar, en la que cuenta su vida, su pontificado, sus ideas, motivaciones para realizar su ciudad.
Rosellino mantuvo las puertas de la ciudad medieval y su proyecto se basó en disponer : una plaza en que se encuentra la catedral y los tres poderes: los palacios episcopal, familiar y comunal.
Rosellino, formado con Brunelleschi, Michelozzo y Alberti (autor de la Reforma de Roma entre 1447-55), se enfrenta a graves problemas dadas las escasas dimensiones con las que contaba pero en apenas dos años realizó su gran obra. La disposición de los edificios se situa de forma trapezoidal, para ampliar así la sensación espacial, asi como el suelo de travertino dispuesto en espina de pez.
Para la realización de la nueva Catedral con orientación sud-Norte, fue demolida la iglesia románica de Santa Maria que tenía orientación este, oeste. Hoy en dia la cabecera tiene problemas de cimentación y se han llevado a cabo obras para estabilizarla. Al interior presenta planta de cruz latina con tres naves (al modo de las iglesias germánicas, Hallenkirche del sur de Alemania, con planta de salón, tal y como estableció el Papa en sus Comentarios ), divididas por altas pilastras y semicolumnas. La nave central es más larga que las laterales, pero de igual altura, para dar más luminosidad a la iglesia. Cuenta con cinco ventanas góticas que le proporciona una luz que resalta la linea arquitectónica, proporcionando un ambiente de gran serenidad. La especial luminosidad fue definida por el Papa como “domus vitrae”, dándole una apariencia al espacio sobrenatural y ultraterrena.
Dentro de las obras que decoran la catedral podemos destacar cinco tablas encargadas por el papa a artistas sieneses: Giovanni di Paolo, Matteo di Giovanni, Sano di Pietro, e Lorenzo di Pietro detto il Vecchietta, autor de la Pala della Asunta, definida como la obra maestra del pintor.
La Catedral fue consagrada a la Virgen de la Asunción de la que era muy devoto el Papa, y que casualidades de la vida, fue un 15 de agosto, fecha de la festividad, cuando el Papa falleció.
La fachada blanca de mármol travertino presenta gran pureza de líneas y volúmenes. Con frontón triangular en la parte superior, albergando entre dos pilastras con guirnaldas, el emblema papal con las llaves de San Pedro, y el escudo Piccolomini (la cruz con las cinco medias lunas), circundado por una guirnalda de frutas.La parte inferior se articula en dos cuerpos, con tres arcos sobre columnas de orden compuesto, prolongados en los dos cuerpos. El nicho central alberga un óculo y los laterales hornacinas. En la parte inferior tres vanos dan acceso al interior Los arcos y dobles columnas contienen nichos.
El tímpano alberga
Esta fachada nos recuerda las obras de Alberti como el Templo Malatestiano de Rímini o la Iglesia de San Andrés en Mántua.
El Palacio Piccolomini se sitúa a mano izquierda de la catedral. Aparentemente resulta algo tosco su exterior, pero ya existían antecedentes en el tratamiento del almohadillado exterior aquí utilizado: el Palacio Rucellai de Florencia, para algunos construcción del propio Rosellino, siguiendo las ideas de Alberti. Se disponen tres pisos articulados mediante pilastras y entablamentos entre los cuales se distribuyen los vanos.
Al interior la visita se realiza con guía, ya que sigue siendo residencia familiar. Según se entra se encuentra un patio que conecta con un pequeño jardín cuya loggia nos abre al Val d’Orcia, una de las pautas principales dadas por el Papa. Se trata de un jardín de forma cuadrada a modo de los giardini secreti tan habituales del medievo y que van dando paso a los jardines del Renacimiento.
El palacio se dispone en tres pisos, a lo lardo de sus salas,( a mi opinión un poco destartaladas por eso de ser palacio “vivido hasta los años 60”. Lo mismo le pasa a otros palacios como el de Liria en Madrid, donde conviven “igual que en nuestras casas” las fotos de boda de los hijos, con los Velázquez, Ribera… pero eso da para otra entrada…) Pero siguiendo al hilo de lo que hablábamos, podemos ver mesas de piedras duras del Offizzio delle Pietre Dure de Florencia, la cama del Papa, quizás la obra más destacada, una importante biblioteca y algunos restos de urnas cinerarias etruscas. Una de las piezas que se exhibe con más orgullo es el documento de las tropas alemanas para evitar que fuese saqueado y bombardeada el Palacio durante la Segunda Guerra Mundial.
Junto al palacio se sitúa un pozo de travertino con el escudo Piccolomini
Influencia toscana volvemos a encontrar para la construcción del Palacio Comunal con su loggia y su torre. El último piso fue añadido posteriormente.
Si en el palacio Piccolomini tenemos la influencia clara de los edificios toscanos, en el caso del Palacio Episcopal, la influencia es claramente romana (ala vaticana de Nicolás V, Palacio Capranica, como han señalado autores como Heydenreich en su obra Arquitectura en Italia).Hoy en dia el Palacio alberga el Museo Diocesano, con obras de pintores sieneses y toscanos, siendo la producción más importante la relativa al Trecento y Quatrocento.
Con la muerte del Papa en 1462 se paralizan las obras de la ciudad ideal que estaba previsto que contase con un gran número de palacios
Si se dispone de poco tiempo, deberemos disfrutar del lugar con su avalancha habitual de turistas, (la mayoría americanos, quizás por el efecto llamada que las películas sobre la Toscana hacen del lugar, Bajo el sol de la Toscana, El Paciente inglés y otras que hemos comentado…), pero cuando más encanto tiene el pequeño pueblo es al anochecer, las calles comienzan a vaciarse sobre las 7, y entonces puedes sentarte en la loggia que se sitúa enfrente de la iglesia y dar rienda suelta y soñar , soñar como fue todo el proceso intelectual para llegar a concebir esta pequeño pero gran conjunto.
El alojamiento en Pienza no es muy abundante, hoteles de cuatro estrellas y bed and breakfast caros para lo que son, pero aún así merece la pena pernoctar y poder dar un paseo nocturno, por sus callejuelas. Pienza cuenta con pocos pero buenos restarantes, con pasta casera y deliciosas tablas de quesos del lugar,sin olvidar un buen vino de la cercana Montepulciano.
En el camino que lleva a Bagno Vignoni es interesante visitar la iglesia Pieve di Corsignano . Se trata de una iglesia románica, con un campanario circular adosado, algo poco habitual, y con una destacada decoración en el tímpano de la puerta principal con flores y motivos mitológicos. En esta iglesia fue bautizado el Papa Pio II.
En los próximos días
09 ago 2011 Dejar un comentario
in Uncategorized Etiquetas: Bomarzo, Gozzoli, Pienza
Más de seis meses sin escribir!!!! No me olvideis, que en unos días vuelvo con temas muy interesantes: Pienza, Benozzo Gozzoli, Bomarzo un bosque, una novela y una ópera… y muchas cosas más…
Los números de 2010
02 ene 2011 Dejar un comentario
Los duendes de estadísticas de WordPress.com han analizado el desempeño de este blog en 2010 y te presentan un resumen de alto nivel de la salud de tu blog:
El Blog-Health-o-Meter™ indica: ¡Este blog lo está haciendo genial!.
Números crujientes
Un Boeing 747-400 transporta hasta 416 pasajeros. Este blog fue visto cerca de 1,800 veces en 2010. Eso son alrededor de 4 Boeings 747-400.
En 2010, publicaste 6 entradas nuevas, ¡nada mal para el primer año! Subiste 72 imágenes, ocupando un total de 24mb. Eso son alrededor de 1 imágenes por semana.
Tu día más ocupado del año fue el 6 de octubre con 42 visitas. La entrada más popular de ese día fue De las artes de la pintura y la escultura: Lo sagrado hecho real.
¿De dónde vienen?
Los sitios de referencia más populares en 2010 fueran lostonsite.wordpress.com, search.conduit.com, facebook.com, es.wordpress.com y mail.live.com.
Algunos visitantes buscan tu blog, sobre todo por astudillo, pedro de mena escultor, juan de juni, palacio de astudillo y crucifijo de la universidad de sevilla de juan de mesa.
Lugares de interés en 2010
Estas son las entradas y páginas con más visitas en 2010.
De las artes de la pintura y la escultura: Lo sagrado hecho real agosto, 2010
1 comentario
Del arte de la arquitectura: Reminiscencias musulmanas en tierras castellanas:ASTUDILLO abril, 2010
3 comentários
Coincidencias? Influencias? Del arte de la arquitectura: Fachadas de palacios mudéjares abril, 2010
1 comentario y 1 “Me gusta” en WordPress.com,
Del Arte del cine: El ajedrez de Maróstica a proposito de Alicia en el País de las Maravillas abril, 2010
¿Qué habrá aquí? febrero, 2010
1 comentario
De las artes de la pintura y la escultura: Lo sagrado hecho real
15 ago 2010 1 comentario
in Escultura, Pintura Etiquetas: Escultura barroca, Francisco de Zurbarán, Lo sagrado hecho real, Martínez Montañés, Museo Colegio de San Gregorio, patetismo, Pedro de Mena, procesión, religiosidad, Semana Santa
LO SAGRADO HECHO REAL PINTURA Y ESCULTURA ESPAÑOLA 1600 – 1700
Museo Nacional Colegio de San Gregorio
EXPOSICIÓN del 6 de julio al 30 de septiembre de 2010
España, siglo XVII,tras una Renacimiento que se inspira en Italia con cierta distancia, llega el gran Siglo del Arte Español, o por lo menos así se le ha conocido a lo largo de la Historia. España con los Austrias en el trono, emprenden una defensa a ultranza del catolicismo, y el arte es el vehículo fundamental para transmitir la Fe. Pintores y escultores encuentran en las Ordenes Religiosas, a sus principales comitentes.
Imágenes de Cristo yacente, Dolorosas y de nuevas canonizaciones como San Ignacio de Loyola o San Francisco de Borja será encargos frecuentes. Estos encargos se realizaban a los escultores, pertenecientes al Gremio de Carpinteros, que se encargaban de esculpir en madera las imágenes, para ser posteriormente policromadas por los pintores, pertenecientes al Gremio de Pintores. Esta separación produjo en la época una cierta rivalidad entre pintores y escultores, ya que la profesión de pintor gozaba de mayor reconocimiento que la del escultor.
¿pero que es lo que diferencia a la escultura española del Barroco de la del resto de países? En primer lugar podemos ver como es una escultura realizada en madera, material que contaba con gran tradición en España, donde la escultura Románica y Gótica había dejado grandes ejemplos. El Renacimiento con Juan de Juni, o Berruguete fue allanando el terreno para el Barroco, por lo tanto nos alejamos ya en cuanto a materiales de la escultura barroca italiana con Bernini o de la francesa de Simón Guillain. Esto tampoco quiere decir que no se utilizase el mármol u otro tipo de piedra en la escultura español.
En segundo lugar vemos que la temática y su interpretación es también diferente. Mientras que en Francia triunfa una escultura de tipo cortesano, y mitológica, en España es fundamentalmente religiosa. Es una religiosidad de algún modo un tanto exacerbada donde se busca ante todo la representación realista de las imágenes, utilizando a menudo pasta vítrea para las lágrimas, pelo natural y otros materiales. Con ello se busca (con)mover a la Fe a los fieles, ya que el pueblo en su mayor parte iletrado, se guiará por las imágenes para conocer la religión y aumentar su Fe. Los escenarios serán tanto las Iglesias como en las salidas procesionales que se hacían en Semana Santa. Estamos ante por así decirlo, buscando que cada imagen fuese una aparición real.
Esto dará lugar a una tipología de esculturas que se situarán en las iglesias, en las capillas de las cofradías que las encargan, formando parte de retablos, o en pequeños oratorios privados.
En la escultura barroca española encontraremos dos corrientes, que reflejan también los diferentes caracteres de dos zonas españolas: por un lado la castellana y por otro la andaluza.
Frente al dramatismo castellano, que hunde sus raíces en Juan de Juni y por lo tanto de tradición europea, tenemos la escultura andaluza con el foco sevillano que busca mover al fiel mediante un realismo más reposado, un tanto idealizado. Así los escultores más destacados estarán en el foco castellano Gregorio Fernández y en el andaluz Juan Martínez Montañés y Pedro de Mena entre otros.
La exposición no está concebida para oponer las dos corrientes. Sino para ver como en las dos corrientes la conexión entre pintores y escultores contemporáneos fue fundamental, ambas se nutrieron mutuamente, y a veces llegaron a fundirse ya que algunas pinturas parecían esculturas. De ello habla Palomino a cerca de un cuadro de Zurbarán, Cristo en la Cruz, realizado en 1627. Esta verosimilitud se encuentra en el conocimiento que los pintores tenían de las esculturas, ya que como hemos dicho anteriormente eran ellos los encargados de policromar las obras, así Velázquez Francisco Pacheco o Alonso Cano se encargaron de ello a lo largo de sus carreras, influyendo por lo tanto en sus pinturas.
Seis grandes temas recogen las ideas de la exposición: la mutua dependencia entre pintura y escultura y la confusión entre imagen artística y visión milagrosa; la exaltación de los santos y sus leyendas místicas (sala 2), algunos particularmente favoritos de la devoción popular, como San Francisco de Asís y el misterioso hallazgo de su cuerpo (sala 3); el culto a las escenas de la Pasión, tratada con una violencia cruel (sala 4); el éxtasis místico (sala 5); y, finalmente, el patetismo tenebroso de la muerte de Cristo (sala 6).
Opinión:
Creo que es una exposición que no hay que perderse, ya que la calidad de las piezas es excepcional. Destaca la belleza en el montaje y la correcta organización, así como la iluminación acentuando las sombras.
Por contra creo que es exposición de la que podría haberse sacado más jugo. Es una exposición organizada por la National Gallery de Londres y la National Gallery of Art de Washington, y el planteamiento y la explicación está concebidos para un público extranjero, en especial en las alusiones a la Semana Santa y procesiones.
Obras presentes en la exposición:
Diego Velázquez (1599-1660) Cristo tras la flagelación contemplado por el alma cristiana, probablemente 1628-9 Óleo sobre lienzo, 165,1 x 206,4 cm The National Gallery, Londres
Juan de Mesa Cabeza de San Juan, ca. 1625 Madera policromada Catedral de Sevilla
Gregorio Fernández (1576-1636) y policromador desconocido Cristo de la Luz. Hacia 1630. Madera policromada, cristal, marfil, corcho y asta. 190 x163 x 44 cm. Museo Nacional Colegio de San Gregorio. Depositado en la Universidad de Valladolid.
Francisco Pacheco (1564-1644) Cristo en la Cruz,1614 Óleo sobre madera de cedro, 58 x 27,5 cm Instituto Gómez-Moreno de la Fundación Rodríguez-Acosta, Granada
Francisco Ribalta (1565-1628) Cristo abrazando a San Bernardo, hacia 1624-7 Óleo sobre lienzo, 158 x 113 cm Museo Nacional del Prado, Madrid
Gregorio Fernández (1576-1636) y policromador desconocido Cristo yacente, hacia 1625-30 Madera policromada, cuerno, cristal, corteza y marfil o hueso, 46 x 191 x 74 cm Museo Nacional del Prado, Madrid. Depositado en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio, Valladolid
Pedro de Mena (1628-1688) Ecce Homo, 1673 Madera policromada, pelo humano, marfil y cristal, 98 x 50 x 41 cm Real Monasterio de las Descalzas Reales, Patrimonio Nacional, Madrid
Gregorio Fernández (1576-1636) y policromador desconocido Ecce Homo, antes de 1621 Madera policromada, cristal y tela, 182 x 55 x 38 cm Museo Diocesano y Catedralicio, Valladolid
Diego Velázquez (1599-1660) La Inmaculada Concepción, 1618-19 Óleo sobre lienzo, 135 x 101,6 cm The National Gallery, Londres
Diego Velázquez (1599-1660) Retrato de Juan Martínez Montañés,1635-6 Óleo sobre lienzo, 109 x 88 cm Museo Nacional del Prado, Madrid
José de Ribera (1591-1652) La lamentación sobre Cristo muerto, principios de la década de 1620 Óleo sobre lienzo, 129,5 x 181 cm The National Gallery, Londres
Pedro de Mena (1628-1688) María Magdalena penitente, 1664 Cedro policromado y cristal, 171 x 52 x 61 cm Museo Nacional del Prado, Madrid. Depositado en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio, Valladolid
Alonso Cano (1601-1667) San Francisco de Borja, 1624 Óleo sobre lienzo, 186 x 120 cm Museo de Bellas Artes, Sevilla
Juan Martínez Montañés (1568-1649) y Francisco Pacheco (1564-1644) San Francisco de Borja, hacia 1624 Madera policromada y tela encolada, 174 x 68 x 51 cm Iglesia de la Anunciación, Universidad de Sevilla
Francisco de Zurbarán (1598-1664) San Francisco de pie, en éxtasis, hacia 1640 Óleo sobre lienzo, 177 x 108 cm Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona
Pedro de Mena (1628-1688) San Francisco de pie, en éxtasis, 1663 Talla policromada, vidrio, cordón y cabello humano, 97 x 33 x 31 cm Catedral de Toledo
Francisco de Zurbarán (1598-1664) San Francisco en meditación, 1635-9 Óleo sobre lienzo, 152 x 99 cm The National Gallery, Londres
Juan Martínez Montañés (1568-1649) y Francisco Pacheco (1564-1644) San Ignacio de Loyola, 1610 Madera policromada y tela encolada, 173,5 x 70 x 55 cm Iglesia de la Anunciación, Universidad de Sevilla
Alonso Cano (1601-1667) San Juan de Dios, hacia 1660-5 Madera policromada y cristal, 30,5 x 22 x 21 cm Museo de Bellas Artes, Granada
Francisco de Zurbarán (1598-1664) San Lucas como pintor, ante Cristo en la cruz, 1630 – 1639 Óleo sobre lienzo, 105 x 84 cm Museo Nacional del Prado, Madrid
Alonso Cano (1601-1667) La visión de San Bernardo de Claraval, también conocido como El milagro de la lactancia, hacia 1657-60 Óleo sobre lienzo, 267 x 185 cm Museo Nacional del Prado, Madrid
Más información: http://museosangregorio.mcu.es/web/pdfs/PDF_DOSSIER_PRENSA_EXPO.pdf
HORARIO DE VISITAS
De martes a sábado: mañana, de 11 a 14 / tarde, de 17 a 20 h.
Domingos: de 11 a 14 h.
Lunes cerrado.
VISITAS GUIADAS: 983 250 375 / ext. 110, 124, 125, 155
Del Arte del cine: El ajedrez de Maróstica a proposito de Alicia en el País de las Maravillas
21 abr 2010 Dejar un comentario
in Cine Etiquetas: ajedrez, Alicia, Maravillas, Maróstica, Tim Burton
Con el estreno de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, parece obligado escribir sobre el tema. Pero debemos de ir más alla de la película y analizar algunas de las excentricidades del director pero también ver como partes del mundo de Alicia existen…
La película es una libre adaptación de las obras de Lewis Caroll, Alicia en el País de las Maravillas y Alicia a través del espejo, escritas en 1865 y 1871.
La adaptación realizada por Tim Burton nos presenta a una Alicia pálida propia de los personajes de Burton, de 19 años a punto de casarse, que vuelve al país de las maravillas, y hasta ahí podemos leer…
En el País de las maravillas, Burton se recrea en su estética habitual y realiza un homenaje a sus películas anteriores, veremos recuerdos de Eduardo Manostijeras, Sleepy Hollow. El papel de Johnny Depp es el mismo que el interpretado en Charlie y la fábrica de chocolate, pero con un punto más excéntrico.
Merece verse en Versión original y en 3D aunque la adaptación en 3D no esté del todo lograda.
Y donde podemos ver elementos de Alicia en el país de las Maravillas???? Alicia se ve en medio de una partida de ajedrez viviente en la obra Alicia a través del espejo… al igual que nosotros podríamos encontrarnos en el ajedrez de Marostica. Aunque no debemos olvidar que este recurso aparece ya en otras películas como Harry Potter y el cáliz de fuego.
Marostica es una pequeña población del norte de Italia cercana a la conocida población de Bassano del Grappa.
La partida de ajedrez viviente con personajes vestidos con trajes de época, tiene lugar el segundo fin de semana de septiembre de los años pares en la plaza.
La historia se remonta al año 1454, cuando dos nobles se enamoraron de la hija mayor de Taddeo Parisio, señor de la ciudad. En la época era habitual que los pretendientes, para conseguir la mano de la doncella, se batieran en duelo a pesar de estar prohibidos en la Serenísima República de Venecia.
Taddeo Parisio, el padre, tratando de evitar derramamiento de sangre y ganarse un posible enemigo, prohibió el duelo exigiendo a los pretendientes que se desafiaran a una partida de ajedrez. Tal partida tuvo lugar en la plaza de la ciudad, a la que acudieron los contrincantes con sus respectivos ejércitos y acompañados de banderas, acróbatas y malabaristas. El ganador se casaría con Lionora, la doncella pretendida, y el perdedor desposaría a Oldrada, la hija menor. Muy astuto el padre: casaba a dos hijas y ganaba dos aliados.
Para festejar tal acontecimiento, el día de la boda de sus hijas, Taddeo Parisio ordenó que en todos los lugares del territorio se plantaran cerezos en recuerdo de los desposorios, de ahí que se hayan convertido en típicas de la localidad.
Coincidencias? Influencias? Del arte de la arquitectura: Fachadas de palacios mudéjares
10 abr 2010 1 comentario
in Arquitectura Etiquetas: Alhambra, Astudillo, cúfico, Mudéjar, Muhammad V, Palacio de Comares, Pedro I, Reales Alcázares, sebka, Tordesillas
COINCIDENCIA? INFLUENCIA?
¿Qué tienen en común estas cuatro fachadas?
Los musulmanes fueron mucho tiempo perseguidos en la Península Ibérica, pero también es verdad que hubo momentos de apoyo mutuo entre los reyes musulmanes y los de los reinos cristianos, incluso el arte de los primeros fue el favorito de los reyes castellanos. Es el denominado arte mudéjar (siglo XII-XIV), arte de raíces claramente musulmanas pero en territorio cristiano, que convive con los estilos de la época (románico, gótico y renacentista). Se caracteriza por el empleo de materiales como el ladrillo, madera vista en artesonados, azulejos. En cuanto a los elementos constructivos, el arco de herradura va a estar presente en todas las construcciones.
Su origen es hispánico por cuanto surge en la Península, pero su desarrollo va más allá. Tenemos obras mudéjares o de influencia mudéjar en Canarias,Portugal e Hispanoamérica, incluso en Sicilia y Sur de Italia. No es un estilo unitario e incluso en la Península, existirán distintos focos como el toledano, el aragonés, el sevillano.
La mayor parte de las construcciones realizadas son de tipo religioso, iglesias, sinagogas, pero merece la atención también el capítulo de la arquitectura civil, y en especial el mudéjar cortesano.
Éste está producido por artistas de otras zonas y aportan elementos dando un carácter más internacional. A diferencia del mudéjar de tradición local, se ven elementos novedosos provenientes de otros focos y relacionados con el foco creador del arte hispanomusulmán.
Aparece ya desde finales del siglo XII, y generalmente van a ser encargos de la Corte o de la Nobleza.
TORDESILLAS PALACIO DE PEDRO I (actual Convento de Santa Clara)
La construcción primitiva se inicia con Alfonso XI con el botín de la Batalla del Salado. En época de Pedro I se mandó ampliar el palacio con nuevas salas. Tras la muerte de María de Padilla, se destinó a convento en 1363.
Su construcción es contemporánea a la de los Reales Alcázares de Sevilla, y en ambos podemos ver grandes semejanzas. En Tordesillas trabajarían maestros toledanos con influencia del arte sevillano.
Podemos destacar la portada. Organizada en una sola calle y se fecha alrededor de 1350 según la profesora Pérez Higuera. Realizada integramente en piedra, con un vano de acceso adintelado con dovelas engatilladas, alterna la decoración de ataurique con otra lisa. Sobre ella un friso de decoración cúfica. Por encima una banda decorativa de lacería que da paso a un segundo cuerpo con arcos polilobulados y por encima decoración de sebka. Flanqueada por pilastras superpuestas, las superiores rematan en modillones de lóbulos que soportarían la cornisa que protegía la fachada.
El convento conserva otras estancias con características del arte mudéjar como el claustro, la capilla dorada y la iglesia con una importante techumbre con decoración ataujerada.
PALACIO DE PEDRO I EN ASTUDILLO
Ver entrada anterior http://detodaslasartes.wordpress.com/2010/04/04/palacio-pedro-i-en-astudillo/
Ya hablamos en días pasado sobre este interesante palacio. Hoy quiero resaltar su fachada, aunque muy restaurada muestra la influencia clara de Tordesillas. La estructura del edificio es tapial reforzado con hiladas de ladrillo y en las esquinas, piezas de sillería. La puerta de entrada es adintelada, formada por nueve dovelas de estilo toledano, un cuerpo intermedio con un arco de medio punto en ladrillo, da paso a un cuerpo superior con doble ventana de arco lobulado con alfiz en ladrillo. El uso de la piedra se destaca en la columna central con su capitel y en las pequeñas columnillas adosadas.
REALES ALCAZARES DE SEVILLA
Como hemos dicho anteriormente son contemporáneos del Palacio de Tordesillas. Está considerado el palacio real en uso más antiguo de Europa, ya que es residencia palaciega desde 1248. Situado sobre el alcázar taifa y posterior almohade, su construcción se inició con Alfonso X, pero la parte que ahora nos interesa es la realizada por Pedro I. Otro día hablaremos sobre las diversas estancias como el Salón de Embajadores, o el Patio de las Doncellas para centrarnos hoy en la fachada propiamente dicha del palacio. Se denomina Fachada de la Montería. Los estudiosos consideran que en sí misma resume lo mejor del arte mudéjar, como son los elementos sevillanos con la estructura tripartita de tipo almohade, arcos ciegos a los lados de la entrada, basamento pétreo, ventanales lobulados. A ello se unen la influencia granadina en el friso de arquillos ciegos y friso superior con epigrafía cúfica, finalmente la influencia toledana en el dintel de la puerta.
Podemos ver como es una fachada en la que se potencia la horizontalidad. Se divide en dos cuerpos. En la parte inferior puerta central adintelada igual que en Tordesillas, con dovelas decoradas en ataurique, en las calles laterales arcos lobulados con red de rombos. En la parte superior friso con decoración compartimentada, realizada en yeso y recordando el arte nazarí. En los laterales arcos lobulados sobre columnas de mármol, completado con pilastras con cerámica vidriada de influencia almohade. El cuerpo superior se organiza en grupos de ventanas, dobles las laterales y triple la central. En la parte superior se dispone un friso con cerámica vidriada y una inscripción cúfica que explica cuándo, quién lo realizó en 1364. En la parte superior decoración de mocárabes y un alero de madera tallada por artistas toledanos.
INFLUENCIAS EN LOS REINOS MUSULMANES
FACHADA DEL PALACIO DE COMARES
El arte que había tenido su origen en los territorios musulmanes, volvía a ellos, pero reinventados, es el caso de la puerta del Palacio de Comares. Recoge casi todas las características de las fachadas de los palacios anteriormente descritos.
Fue mandada construir por Muhammad V en 1370 con motivo de la conquista de Algeciras. Esta dividida en dos cuerpos, el inferior con dos puertas con dinteles adovelados, en la parte superior vanos con arcos de herradura geminados, flanquean un vano con arco de herradura, un friso con mocárabes y un alero al igual que en Sevilla completan el conjunto. A ello se une la exhuberancia y el rico dorado de la arquitectura nazarí. Originalmente, estaba revestida de vivos colores con variadas tonalidades.
